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Restiamo per il momento in ambiti più intimi e meno politici nei limiti del possibile – ma, come vedremo, sempre possibile non è – e analizziamo un’altra tematica ricorrente di questa edizione della Mostra di Venezia: quella inerente alla riflessione degli uomini su sé stessi.
Come dicevo nel post precedente, infatti, mi sembra che da diverso tempo si stia rovesciando la tendenza di adottare un protagonista uomo per storie che, di per sé, non hanno valenze legate al genere. Cioè sempre più spesso il corpo della donna sta diventando “il corpo neutro”, mentre film incentrati su un uomo assumono un senso di autoriflessione del ruolo.
Andiamo al sodo e parliamo innanzitutto dei tre film a tema paternità che ho visto.
I figli della scimmia di Tommaso Landucci è già in sala e ha valso a Scamarcio il premio Orizzonti per la migliore interpretazione. È un bel film che sa muoversi tra le sabbie mobili del dubbio, dell’errore, dell’imperfezione e della colpa, pur nell’intento di fare il proprio meglio. Uno dei protagonisti è Andrea Aggio, un ragazzino portatore di disabilità che interpreta il figlio di Scamarcio, ed è inevitabile pensare a Le chiavi di casa, film del 2004 di Gianni Amelio, citato dallo stesso Landucci come ispiratore. Quando il film di Amelio uscì scrivevo per un sito di critica cinematografica e lo cassai recisamente per l’impiego del ragazzino disabile oltre che per la regia che, in modo indefesso e un po’ semplicista, perseguiva la ricomposizione del conflitto e la risoluzione verso un happy end che finiva quasi per sminuire il coinvolgimento stesso del giovane Andrea Rossi. Da tanti anni non vedo Le chiavi di casa e non so se condividerei quell’opinione. Nel frattempo, però, i tempi sono cambiati e forse oggi troverei più fuori luogo la prova attoriale di un novello Dustin Hoffman o Leo Di Caprio nei panni di una persona portatrice di disabilità. Voi cosa pensate? Sono proprio indecisa, lo confesso.
A differenza di Amelio, tuttavia, I figli della scimmia non dissimula il conflitto – anzi a un certo punto della visione mi sono proprio chiesta come quel casino potesse sistemarsi – e posa uno sguardo molto dolce e lieve sul giovane Andrea. Senza dubbio, ha il suo peso l’esperienza di Landucci come regista di film documentari, in grado di liberare il proprio sguardo dalle aspettative per calibrarlo su ciò che sta guardando. Bellissimo, fra l’altro, il coinvolgimento come attrice della sorella maggiore di Andrea, oltre che dei genitori come consulenti.
Altri due papà, Ryan e AccRite, sono protagonisti di Too much sugar dello statunitense Robert Greene; presentato in Orizzonti, ha prismaticamente dentro di sé almeno tre film sulla paternità: un doc incentrato sulle due famiglie, un doc sul making of di una commedia e la commedia medesima. Tutta questa situazione prismosa trasmette un’idea di paternità molto tenera e carina.
Ed è un film sul diventare papà anche Ground floor di Gábor Reisz presentato nella sezione Spotlight: Kristóf, interpretato dal bravo Ádám Tompa, scopre nel giro di pochi minuti che in casa sta crescendo un’enorme macchia di muffa e che la sua compagna aspetta un bambino. La combo lo smuove da quella vaga, apatica immaturità che pervadeva la sua vita e lo spinge in una serrata e tragicomica disputa condominiale che scoperchia alcuni soprusi. Il film esce a poche settimane dalla sconfitta di Orbán – anche se la lavorazione è cominciata prima, ovviamente – e, al di là del tema della paternità, ha una forte valenza politica.
In concorso, l’errabondo Un peu avant minuit di Nicolas Pariser con Melvil Poupaud e Chiara Mastroianni gira intorno a Léo, un uomo che su suggerimento della figlia ventenne reincontra le donne che ha amato per indagare il loro punto di vista sul passato e riconsiderare la propria vita sentimentale alla luce del cambiamento dei tempi e dei valori. Salvo poi scoprire, leggendo le lettere tra sua madre e suo padre, un amore smisurato e inscalfibile lungo i decenni. E salvo non accorgersi, viceversa, che la figlia ventenne appartiene a una generazione che non può più permettersi l’amore perché – come ha rilevato Giulio Sangiorgio su FilmTv – è chiamata a un attivismo politico che non lascia spazio ad altro. Un peu avant minuit è dunque una sorta di epopea dell’amore attraverso tre generazioni e, di conseguenza, è una riflessione sul senso dell’amore che, lungi dall’essere un ideale platonico, muta in relazione al contesto socio-politico in cui si deve fare spazio. Anche se ormai lo davamo per scontato insieme alle canzonette.
Anche The basics of philosophy di Paul Schrader parla di un uomo, John, che si mette in discussione, ma non volontariamente come il protagonista di Un peu avant minuit bensì indotto dall’incontro casuale con un giovane che molti anni prima aveva costretto a un rapporto sessuale. L’incontro gli richiama alla coscienza non solo la violenza perpetrata ma anche l’omosessualità repressa giacché nel frattempo John si è placidamente fidanzato con una donna, che ha un figlio che ha all’incirca l’età del giovane quando venne stuprato. Intanto il giovane vittima di violenza si rivela gay, apparentemente senza conflitti. Insomma: abbiamo a che fare con un bell’ingarbugliamento di input e output, come direbbe il saggio Lebowski. Ma c’è di più: il protagonista è un docente di filosofia che sta scrivendo un saggio su Spinoza. E Spinoza propugnava, fra le altre cose, la liberazione dalle passioni proprio al fine di vivere liberi. Ma siamo sicuri che il nostro John, nella liberazione dalle proprie passioni, sia stato guidato da Spinoza? Non sono domande cui si può dare una risposta neanche se ci si chiama Baruch, figuriamoci se ci si chiama John o Paul o Federica. I film di Schrader sono tutti fratelli e l’opera che sta mettendo insieme è da vedere nel suo complesso più che nelle sue singole parti. Alcuni hanno disquisito sulla trattazione dell’omosessualità da parte di quel boomer di Schrader ma sticazzi, il punto della sua filmografia non è questo, il punto è essere disposti o meno a mettere radicalmente in discussione tutta la propria vita. Gli ultimi film di Schrader risultano sempre più simili fra loro, quasi tutti in palette con i loro colori neutri e, però, decisamente squadrati e spigolosi per quel che concerne l’impatto.
E, per chiudere, un po’ di leggerezza con il delizioso Scherzetto di Martone. Confesso che non avevo voglia di vedere un Martone tratto da uno Starnone: voglio moltissimo bene a entrambi (a Starnone di più) ma in una messe di film come la Mostra prediligo i film meno prevedibili. E invece sono uscita dalla Sala Darsena proprio sollazzata e anche Servillo mi è sembrato fresco e divertito. La storia è quella di Daniele, un fumettista di lungo corso che si barcamena con le dinamiche illogiche dell’editoria contemporanea mentre accudisce per qualche giorno il nipotino con cui non ha grande confidenza, il tutto nella casa nella quale abitava da piccolo. Questo mix di situazioni gli triggera un bailamme di pensieri e riflessioni starnoniane, che non sono esattamente le meditazioni di un uomo su di sé in quanto uomo di cui si diceva all’inizio – sotto questo aspetto Starnone ha già detto quello che aveva da dire in Autobiografia erotica di Aristide Gambía – e non è neanche un’autoanalisi spinoziana. È un insieme di tutto, è quel malessere di essere ancora vivi.
To be continued (avrete capito che si finisce a Natale ; ) )
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